Il MUSEO PICASSO DI PARIGI INVITA PAUL SMITH AD OMAGGIARE LA GRANDE OPERA DI PABLO PICASSO

Cinquant’anni fa, l’8 aprile 1973, Pablo Picasso scompariva a Notre-Dame-de-Vie a Mougins, lasciando dietro di sé una produzione artistica che ha segnato tutto il XX secolo. In occasione di questo anniversario, il Musée national Picasso-Paris invita il designer britannico Paul Smith, noto per il suo lavoro sul colore per firmare la direzione artistica di un’impiccagione eccezionale, mettendo in risalto onorare la collezione del museo. Senza equivalenti al mondo, questo lo è costituito da oltre cinquemila opere e dalla raccolta di archivi personali dell’artista, stimato in quasi duecentomila pezzi. Presenta un’ampia varietà di tecniche: pittura, scultura, disegno, incisione e ceramica – che coprono quasi l’intera carriera di Picasso e provenienti principalmente direttamente dalle sue officine, a testimonianza del legame intimo che univa l’artista ad alcuni suoi pezzi. Questo pensile, progettato sotto la direzione artistica di Sir Paul Smith, si snoda attorno ai capolavori della collezione. Lo sguardo eccentrico che lo stilista indossa sulle opere invita il pubblico a considerarle a attraverso una lettura più contemporanea, e ne sottolinea sempre il carattere oggi dell’opera di Picasso. Inoltre, gli universi dei due creatori a volte si incontrano, come intorno a un comune amore per gli oggetti, per il costume o la messa in scena, proponendo confronti e ambientazioni nello spazio, opere decisamente inventive e spettacolari!

“Spero di offrire un punto di vista meno convenzionale, che suscita a più esperienza visiva, capace di catturare l’attenzione del pubblico giovane e le persone che non hanno  conoscenza approfondita del lavoro di Picasso. È un approccio più spontaneo, che solleva più istinto.” Paul Smith

Sir Paul Smith è uno dei più grandi designer britannici, famoso per il suo spirito creativo, che unisce tradizione e modernità

Famoso per le sue collezioni di abbigliamento e accessori, Paul Smith sviluppa un know-how all’avanguardia per creare pezzi moderni che si ispirano alle opere dell’arte che della vita quotidiana. Un vero creatore, Paul Smith continua a innovare e ispirare il mondo moda e design nel Regno Unito e a livello internazionale. Con il suo entusiasmo per riferimenti e combinazioni culturali eclettiche fantasie e colori, applicati con sobrietà, Paul Smith esprime a un’estetica veramente contemporanea e difende una concezione tutto in una volta tempi di creazione aperti, curiosi e autentici.

Il percorso espositivo visitabile fino al 27 agosto 2023 (Museo Picasso Parigi) è scandito da opere di artisti contemporanei internazionali. Così Guillermo Kuitca, Obi Okigbo, Mickalene Thomas e Chéri Samba fanno parte di questo stesso desiderio di aprire nuove prospettive sul posterità dell’opera di Picasso, mettendo in discussione la sua immagine o riprendendo conto di alcune delle sue innovazioni plastiche. Dall’autunno 2022 alla primavera 2024, il Musée national Picasso-Paris è su iniziativa della manifestazione internazionale “Picasso Celebration 1973- 2023”, facendo risplendere il lavoro dell’artista attraverso quaranta mostre in Europa e Nord America.

Célébration Picasso, la collection prend des couleurs ! 

Il lavoro di Pablo Picasso è pieno di elementi umoristici. Dall’età di 13 anni anni, il ragazzo realizza le sue riviste satiriche dove disegna schizzi della sua vita quotidiana. L’artista ha coltivato questa vena di caricatura, che esprime nei ritratti di coloro che lo circondano ma anche da molteplici deviazioni. Questo numero di Vogue datato maggio 1951 illustra il suo gusto per la provocazione e il suo genio per la metamorfosi che, aggiungendo poche righe, devia in fotografie di moda quadri grotteschi. In diverse occasioni, Picasso si è divertito a presentare sulle pagine della rivista un essere fantastico malvagio, tra il diavolo e il fauna, che parassita l’equilibrio della rassegna e turba la tranquillità del manichini.

Nell’autunno del 1906, Pablo Picasso avvia un importante riorientamento del suo lavoro sotto l’influenza di diverse fonti di ispirazione: Arte iberica, scultura romanica, Arti africane e oceaniche. La lezione di Paul Cézanne, che consiste nel trattare la “natura per cilindro, sfera, cono, metti tutto in prospettiva” gioca anche un ruolo di primo piano piano in questo rinnovamento plastica. Picasso quindi opera radicale semplificazione presto si forma e si sviluppa, in stretta collaborazione con il pittore francese Georges Braque, un nuovo modo di dipingere, il cubismo, che fiorì tra il 1907 e il 1914. Se il la prima ricerca estetica riguarda la rappresentazione della natura e la figura umana, l’attenzione dei cubisti si è poi rivolta maggiormente verso nature morte e oggetti quotidiani. Con questo sconvolgimento forme, corpi e spazi circostanti si fondono in una tavolozza di colori ridotti, fatti di sfumature di grigio e beige. Al limite dell’astrazione, le opere cubiste frammentano la realtà prima di ricomporla sulla tela.

“Tornando al cuore del museo i suoi collezione eccezionale, questa nuova appendere è un invito giocoso e felice di riscoprire tutto il campi di creazione di Picasso, pittura, scultura, ceramica e arti grafiche, attraverso l’occhio acuto e malizioso di un grande creatore contemporaneo. Questo scontro segna magistralmente la “ Celebrazione Picasso ” all’Hôtel Salé e prefigura il Museo Picasso di domani.” Cecile Debray

Il lavoro di semplificazione forma e spazio a cui conduce Pablo Picasso dall’autunno del 1906 prima concentrati quasi esclusivamente sul corpo femminile. L’artista dedica molte opere e studi, sia in pittura che nella scultura, o disegno. Questi ultimi sono tutte caratterizzate per sviluppo di un nuovo modo di rappresentazione ispirata all’art Iberica (Spagna, VI-II sec av. J.-C.), scoperto al Museo del Louvre all’inizio del 1906 e riportato in vita da un soggiorno a Gósol, piccolo villaggio dei Pirenei catalani, nell’estate dello stesso anno. Picasso rappresenta le sue figure più spesso dal davanti in un atteggiamento fisso e frontale, limitando la sua tavolozza ai colori rosa e ocra. Contrariamente al delicatezza dei suoi acrobati dell’anno precedente, l’artista rappresenta corpi robusti con una certa ruvidità e dona un aspetto androgino a suoi personaggi femminili. Questa dimensione si affermerà ancora per qualche mese in ritardo nella sua opera principale, Les Demoiselles d’Avignon (1907, Museo di Arte Moderna, New York).

Introdotto nel 1912 con Nature morte à la chaise cannée, un primissimo collage nella storia dell’arte, l’uso oggetti ed elementi del marchio quotidiano profondamente e durevolmente intera carriera arte di Pablo Picasso. Questo approccio rivoluzionario è espresso dall’inizio di 1910, dalla tecnica “carte assemblate” cubiste, sviluppato con Georges Bracco. Continua dentro scultura fino al anni ’50, dalla combinazione di modellazione in gesso e assemblaggio oggetti eterogenei. Il confine tra pittura, disegno e scultura è si trova scosso, ogni dominio nutre gli altri e mette in discussione il rapporto tra opera e oggetto. L’uso nella pittura di motivi decorativi da di sfondi o vestiti opera anche un’inversione di tendenza offuscando il rapporto con la realtà. Con questa pratica, Picasso apre la strada a un’arte di riciclaggio e diversione.

Nell’autunno del 1901, pochi mesi dopo la morte del suo amico Carlos Casagemas, Pablo Picasso sviluppa un nuovo modo di dipingere

Sulla tavolozza si uniforma nei toni del blu conferendo un’atmosfera freddo e malinconico alle sue opere. Un’atmosfera notturna che coincide anche con l’abitudine del pittore di lavorare di notte alla sola luce del lampada ad olio. Picasso rappresenta poi personaggi congelati e solitari, anonimo che eleva al rango di simboli universali. L’artista popolare i suoi dipinti di mendicanti, prostitute e bevitori di cui consegna i ritratti struggenti che costituiscono altrettante allegorie universali della condizione umano.

Pablo Picasso ha sviluppato il suo gusto per le arti dello spettacolo fin dalla sua infanzia trascorso in Spagna. I suoi primi soggiorni a Parigi, intorno al 1900, gli valsero alcune commissioni per illustrazioni per il teatro e le sale da musica che lui frequenta assiduamente i suoi compagni nella colonia spagnola. Agli accanto ai suoi amici poeti Max Jacob poi Guillaume Apollinaire, divenne un abituato al circo Médrano ed è interessato alle figure marginali dei clown, ballerini, acrobati e acrobati. Nel 1917, Picasso ha lavorato con Serge de Diaghilev per le scenografie ei costumi del balletto Parade. L’inizio di la sua relazione con la ballerina russa Olga Khokhlova, che sposerà nel 1918, e le sue varie collaborazioni per i Ballets Russes, fino al 1924, lo portarono frequentare gli incontri artistici fioriti nella Parigi degli anni ’20 pazzo. Diverse fotografie testimoniano l’attrazione della coppia per il feste in costume, mentre il loro figlio, il giovane Paul, è rappresentato in costume di Arlecchino e Pierrot.

Nel 1937, Pablo Picasso dipinse la sua tela monumentale Guernica (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid) in risposta alla guerra civile spagnola

L’opera, divenuta simbolo universale di impegno politico contro barbarie, ha ispirato Mickalene Thomas a scrivere una serie sui movimenti di sostenendo i diritti civili afroamericani e Black Lives Matter negli Stati Uniti.Durante la seconda guerra mondiale, Picasso non ha rappresentato non il conflitto così letteralmente, ma rimane pervasivo nel suo lavorare sotto forma di ritratti e nature morte che trasmettono la violenza e la muta angoscia del periodo. Sotto il suo pennello, corpi umani subire tutte le deformazioni possibili: arti disarticolati, volti distorti e animalizzati fino a raggiungere un grottesco morboso e spaventoso. Le nature morte, caratterizzate dalla loro inquadratura serrata, dalle loro tonalità scuri e i loro soggetti grezzi che associano oggetti a resti di animali o i teschi umani sono potenti allegorie dei disastri del guerra.

Dopo il periodo cubista, gli anni 1918-1923 sono spesso indicati come “classicizzante”, segnato da un ritorno a una figurazione costruita, opposto al disordine delle avanguardie e in reazione al caos della prova della Grande Guerra

Lo testimoniano le opere di questo periodo L’ammirazione di Pablo Picasso per il pittore francese Jean-Auguste Dominique Ingres, quella del suo uso del ritratto fotografico in studio, o l’influenza dell’antichità greco-romana da cui ha scoperto visto nel 1917 durante il suo viaggio a Roma. In questo momento di collaborazione con Serge de Diaghilev ei Ballets Russes, anche Picasso ha trovato il mondo spettacolo e commedia dell’arte: arlecchini, pierrot e saltimbanchi quindi reinvestire il suo campo iconografico in una gioiosa miscela di influenza. L’artista, pur continuando a ricorrere al cubismo, è tornato allo studio dei grandi maestri, in particolare Auguste Renoir, e ad una linea classico, pulito e puro che si esprime più spesso nei ritratti socialite e nudi femminili idealizzati. Il suo modello preferito è poi il la ballerina Olga Khokhlova, che sposò nel 1918.

Se Pablo Picasso crea i suoi primi saggi in terracotta a Montmartre dal 1906, è a Vallauris, dove si stabilisce nel 1947, che intraprende una intensa produzione di ceramica

Situato tra Cannes e Antibes, il piccolo la cittadina di Vallauris è nota da secoli per i suoi vasai. I Mille di opere originali che emergono fino al 1954 dal laboratorio Madoura, diretto di Suzanne Douly e Georges Ramié, testimoniano l’abilità dell’artista che ama modellare, incidere e dipingere la terra. Piatti, brocche e altri vasi si popolano di teste di fauni, di animali, di scene di corrida… I frutti e poi compaiono i piatti rappresentati o modellati nell’incavo dei piatti come tante nature morte pronte per essere gustate. I piatti bianchi appesi alle pareti di questa stanza richiamano il prolifica produzione dell’artista in questo campo e mettere in discussione il rapporto tra gli oggetti industriali prodotti in serie e quelli frutto dell’artigianato.

Negli anni ’30, Pablo Picasso ha giocato con il motivo a strisce sia in pittura che nel disegno o nell’incisione

Nella serie Femmes assises au fauteuil, le variazioni di striature o fasce permettono un gioco cromatico molto dinamico, abbastanza gioioso, che conferisce la dimensione simbolica della griglia, del confinamento insito in questo motivo, di una certa ambivalenza. Risonante con il suo periodo cubista dove le fitte reti di linee creavano tensione e un’interazione visiva tra linee e colori, questa stilizzazione dal motivo della striscia è simile alle opere dei suoi amici surrealisti, dal fotografie di Man Ray di nudi striati da ombre proiettate, i corpi tagliati a nastri da Dorothea Tanning, le forme di cristallo da Alberto Giacometti o ancora le composizioni grafiche delle “trasparenze” di Francesco Picabia. Tra scrittura automatica e fantasia di pietrificazione, Picasso sembra così raffigurare la “cristallizzazione” di un incontro amore o quello di un artista con il suo soggetto. Inseparabili dall’universo creativo di Paul Smith, le strisce formano altrove la firma dell’artiglio dello stilista inglese che qui si diverte palcoscenico in un gioco di echi e dialoghi formali.

Dalla fine degli anni ’40 nei primi anni ’60, Pablo Picasso lascia il Capitale parigina e fissato in modo permanente il sud-est della Francia

Suo la pittura viene quindi contrassegnata aggiornando il cubismo e un dialogo con Enrico Matisse. Nella scultura, sperimenta nuove tecniche come sculture-alberi” e le lastre ritagli che lo consentono sviluppare composizioni tridimensionali con forme piatte. La combinazione di forme geometriche e grandi aree piatte di colore delineato di nero danno a queste opere un’efficienza plastica e una leggibilità che richiamare la ricerca di altri artisti modernisti, come Fernand Léger o Le Corbusier.

Gli ultimi anni della vita di Pablo Picasso sono teatro di a intensa creatività. Installato al Mas Notre-Dame-de-Vie a Mougins dal 1961, l’artista ha prodotto centinaia di disegni e incisioni e più di trecento cinquanta tele tra il gennaio 1969 e il 1973. Si è poi concentrato principalmente per rappresentare la figura umana, e la sua eredità spagnola riaffiora in attraverso il motivo del matador, ornato di attributi che evocano l’età dell’oro. Questi le opere sono caratterizzate da un’esplosione di colori e da una grande libertà di espressione. Il gesto del pittore è più rapido e volontariamente minore pulito, con gocciolamenti occasionali. Questi ultimi dipinti, presentati per l’occasione due mostre organizzate al Palazzo dei Papi di Avignone nel 1970 e 1973, sconcertano il pubblico. Tuttavia, saranno importanti per generazioni di pittori che gli sono succeduti, in particolare Jean-Michel Basquiat o Georg Baselitz, che segna una rinascita della pittura contemporanea.

Eseguito un anno prima della morte dell’artista, Le Jeune Peintre è altrettanto l’immagine di un maestro confermato che eccelle nella semplicità della sua maestria commovente saluto alle giovani generazioni di pittori che verranno. Velocemente pennellato, lasciando visibile la bianca preparazione della tela, l’opera si presenta una figura dall’espressione complice il cui mantello e cappello evocano a figura cavalleresca dell’età dell’oro spagnola (XVI-XVII secolo). In quest’ultimo autoritratto giovanile, caratterizzato da una grande economia di significa che gli occhi del pittore si trasformano in orbite, segno premonitore di una morte imminente la cui tragedia è temperata dalla presenza di a sorriso malizioso. Come un testamento, questa ultima immagine dell’artista al lavoro dimostra la libertà conquistata da Pablo Picasso e la sua capacità di rinnovarsi il suo linguaggio creativo fino alla fine. L’artista qui rende omaggio alla passione che l’ha animato per più di ottant’anni, celebrandolo con virtuosismo vernice leggera, quasi evanescente.

Commento di Cristina Rossello: Questa lettura di Picasso offerta dal Museo Picasso di Parigi rappresenta una vera occasione per comprendere come un grande maestro possa essere interpretato in chiave contemporanea. La direzione artistica di Paul Smith pone sicuramente un diverso accento interpretativo dell’opera di Pablo Picasso.